Conferencias, conferencias, conferencias

Soy una gran aficionada a las conferencias. Ojalá pudiera compulsar en créditos todas las conferencias a las que he ido. Me darían para un máster o dos.

En los últimos meses hubo en Madrid y alrededores algo así como una conjunción cósmica de eventos sobre animación, creación audiovisual e industria del entretenimiento. El NonStop, el 3D Wire, el Keyframe, el Día de la Animación, las charlas de Tangram, el Animayo, las conferencias del Héroes Comicon, el Cartoon Digital y alguna más que me he perdido porque mi cuerpo dijo basta. Lo interesante de todas ellas es que cada una se ocupa de un aspecto. Hay charlas puramente para fans, otras para artistas o estudiantes con consejos sobre técnicas e inspiración, otras se centran en las herramientas necesarias para desarrollar este arte (hardware y software) y otras son más pragmáticas y te hablan del negocio alrededor de todo esto. Hilvanando contenidos de unas y otras es posible dibujar una imagen global del sector, que ya os puedo decir que está inmerso en una profunda y trascendente transformación.

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Mi cuaderno de apuntes y mis acreditaciones, fuckyeah!

La culpa de todo la tiene ese cacharrito que llevas en tu bolsillo. Sí, tu smartphone. Los smartphones le están dando la vuelta al consumo de entretenimiento como no te puedes hacer una idea. Un dato: la MITAD del consumo global de internet se hace a través del móvil (y creciendo). Todos los ponentes del Cartoon Digital coinciden también en el declive de la Televisión clásica y del consumo “lineal” de contenidos. Ahora el consumo es “a demanda” y “a la carta”, algo que solo es posible desde las plataformas digitales. Podcasts, series de ficción, recetas de cocina, videos de gatitos y dibujos animados deben ser accesibles a tu antojo, cuando quieras y donde quieras.

Del mismo modo que el creador del teléfono móvil no podía entender porqué la gente prefería mandar mensajes de texto a llamar directamente, hoy los directores de cine y creadores audiovisuales asisten al fenómeno de usuarios que ven películas en el metro mientras van al trabajo. Esos gloriosos 4K reducidos a una pantalla de 5 pulgadas es algo que a muchos saca de quicio, pero a otros les hace frotarse las manos. Esto lo ha aprovechado muy bien la app Studio+ (aun no disponible en España). Esta aplicación lleva al máximo este fenómeno con el formato 10×10′, es decir, series de diez capítulos de diez minutos por capítulo. Ideal para ver en el autobús camino de casa. Estas series pueden ser remontadas llegado el momento para ser una miniserie de dos capítulos de 50 minutos o un largometraje de 100. Depende de la vida que lleve el producto y si eventualmente se emite por televisión. Es la respuesta corporativa y de pago a las webseries que antes se hacían casi por amor al arte.

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Orion Ross, vicepresidente de contenidos para Disney nos enseñó en Cartoon Digital unas escenas de la nueva serie basada en “101 dálmatas”

¿Cómo afecta esto a la animación? Bastante. La animación sigue siendo, al menos en occidente, terreno primordialmente infantil. Y su consumo en dispositivos móviles también se está disparando, ya sea porque los padres quieran distraer a los peques, ya sea porque se usen apps educativas en los centros de enseñanza. De hecho, el sector más competitivo es el de preescolar, y el que trae de cabeza a muchos distribuidores. Los problemas que ha dado Youtube Kids con contenido inapropiado han empujado a nuevas plataformas a hacerse hueco en el mercado. Por una pequeña cantidad de subscripción se asegura un entorno seguro y controlado por los padres. Todos ganan: los peques, los papis, los distribuidores, los creadores.

Otra peculiaridad de las series de animación con respecto a las series de imagen real es que sus capítulos son autoconclusivos. Es decir, en occidente no existen los seriales animados y no tiene sentido ver una temporada del tirón, cosa que sí hace el público con las series de imagen real. Tal vez, cuando se asiente la animación para adultos se pueda dar este paso que de momento es territorio yermo.

La animación en el móvil también se disfruta en juegos y en la realidad aumentada y realidad virtual. Unas notas de mi cuaderno de apuntes:

  • El 95-99% de los usuarios de juegos móviles JAMÁS pagarán por jugar, el 1-5% que sí lo hará, será por fidelidad después de haber jugado durante meses. Y con todo, los juegos para móvil mueven miles de millones cada año: echad cuentas.
  • La Realidad Aumentada hoy en día no se vende por sí sola (el caso de Pokemon Go es una excepción), sino asociada a películas, libros y otros productos.
  • La Realidad Virtual aún no se instalará en los hogares de forma generalizada debido a la necesidad de las gafas, que se perciben como un gadget caro y poco aprovechable. En cambio, su uso profesional tanto en arte como en entrenamiento militar o rehabilitación médica, ya está dando frutos.

Y desde luego la animación está en redes sociales: emojis animados, stickers animados, reacciones animadas. Como bien dijo un ex-trabajador de Facebook, la intención es crear ese estado de ansiedad-recompensa similar al de las tragaperras.

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El futuro: hordas de emojis moviéndose en todas partes.

Nos adentramos en terrenos escabrosos. ¿Es posible que todo lo que percibimos como negativo en los dispositivos móviles (distracción, adicción, superficialidad) lo estén aprovechando las empresas de contenido digital para engancharnos? Sí y no. Algo que me llamó mucho la atención entre los conferenciantes del Cartoon Digital es que cuanto más jefazos son, menos datos dan y más importancia le dan al contenido y a la emoción.

De hecho en las series de imagen real para público adulto hay un género que reina por encima de los demás: el suspense, ya sea asociado a la ciencia ficción, al policiaco, o al thriller político. Si pensamos en las series qué más éxito han tenido en los últimos años, resulta que están plagadas de zombies, terroristas, conspiraciones, delincuentes, trepas y bueno, todo lo chungo. ¿Casualidad? En absoluto. Al cerebro le gustan las emociones fuertes y se engancha. El resultado es que otros géneros, como el drama, el romántico o la comedia quedan relegados cuando no excluidos de las parrillas de estas plataformas digitales.

¿Y las series animadas? Véronique Desroques nos contó el caso de Molang, que empezó siendo una colección de stickers para redes sociales en 2010, en 2013 se convirtió en serie animada infantil y tras petarlo en youtube finalmente en 2017 lanzaron una línea de merchandising. Un camino muy similar al de Pucca (¿os acordáis de Pucca?). El problema que tuvo Pucca es que cuando se transformó en serie animada, el resultado no parecía seguir la filosofía del producto y la imagen de los personajes cayó en picado. Sin embargo Molang triunfa entre niños pequeños, padres y jóvenes de entre 15 y 34 años debido a su lenguaje universal, su estética kawaii y su humor blanco.

Por otra parte, es difícil saber qué producto va a tener éxito o no. Mientras el áuge de la animación es un hecho y se busca poder crear más rápidamente mediante software especializado, sorprende que una técnica tan prolija como el stop motion triunfe sobre todo entre el público adulto. En lo que todos los conferenciantes coincidieron sobre cómo medir el éxito de un producto, ya sea serie o película, para adultos o para niños, era el fenómeno fan.

“The goal of current marketing is to create fandom” (Tom Vedel – Animgram).

Buena noticia, frikis del mundo: las empresas os toman muy en serio. Solo en Estados Unidos, el gasto relacionado con ferias tipo Comicon, productos y merchandising ascendió  en 2017 a 13 mil millones de dólares. Y las grandes productoras siguen muy de cerca las redes sociales para comprobar el grado de fanatismo de la gente. El mismísimo vicepresidente de contenidos de Disney Channel, Orion Ross, nos confesó que no son ajenos a las publicaciones de cosplayers y fan art. De hecho, hace algún tiempo se hizo popular en Twitter el hashtag #fanartgotmepaid, con testimonios de artistas a los que su pasión por ciertas historias y personajes les había conseguido contratos con las productoras que tanto anhelaban (me temo que eso solo pasa en Estados Unidos, aquí el fan art todavía es motivo de condescendencia)

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Ladybug: otro caso de éxito que ni sus propios creadores se esperaban.

 Si lo que te he contado hasta ahora te sume en la depresión porque todo parece girar en torno a estrategias comerciales y recetas prefabricadas, no sufras. También hay gente soñadora. Piotr Dominiak nos contó en el Día de la Animación la epopeya de crear Loving Vincent, la película de animación al óleo sobre Van Gogh: siete años de producción, una financiación de crowfunding, 125 pintores y 65.000 frames (que no lienzos). Normalmente cada plano correspondía a un lienzo, y los frames sucesivos se pintaban encima, lo cual hacía que las correcciones o fixing fueran una absoluta pesadilla.

Otro conferenciante que me sorprendió por su filosofía vital fue Stephane Richard en el Festival Nonstop. Músico e ingeniero informático, un día decidió cambiarlo todo por el arte conceptual. Richard nos dio unas cuantas claves para afrontar la página en blanco, usar todos los medios a tu alcance (3D, 2D, fotografía) y prepararte psicológicamente para este duro sector. Recomiendo muchísimo su blog y sus tutoriales.

Y más brevemente, entre otros:

  • Kalen Chock nos recordó la regla de los tercios para composición y nos recomendó el libro Framed Ink.
  • Jorge Gómez nos habló de su fascinación por las pinturas de Caspar Friedrich.
  • Belli Ramírez nos insistió en la importancia de planificar los proyectos.
  • Carlos Biern nos contó los incentivos fiscales de los distintos países para producir animación.
  • Jackie Edwards nos ilustró porqué la BBC es líder en creación de programas infantiles.
  • Alex Jenkins nos recalcó que el mejor videojuego es el que integra la narración en la interacción.
  • Eliza Jappïnen nos enseñó que lo que empieza siendo un proyecto personal puede crecer si conecta con su público:

 

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La seducción del Lado Oscuro

Primero de todo: si aun no has visto “Los últimos jedi” no sigas leyendo porque voy a soltar EL SPOILER.

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Bien, continuo.

“Los últimos jedi” me ha encantado porque aparte de ser un peliculón impecable toca uno de mis temas favoritos: la seducción del lado oscuro. Los fans de REYLO ya llevaban especulando con ello desde hace dos años y sí, se confirma totalmente el vínculo entre Kylo Ren y Rey, aunque todavía no se puede decir que sea una atracción sentimental (y mira que el celestino Snoke hace las conexiones en el momento preciso, ya sabéis a qué momento me refiero). Kylo y Rey tienen compasión el uno por el otro, están desarraigados, se sienten solos y comparten el poder de la Fuerza. A partir de aquí la intención de cada uno es atraer al otro a su bando, Rey quiere a Ben Solo en la luz, y Kylo quiere a Rey como aliada en el lado oscuro. Ahora bien, Rian Johnson es muy listo y adereza todo con miraditas y experiencias táctiles astrales de las que te dejan el corazón hecho un trapo. Y es que ese roce de las yemas de los dedos es lo más erótico y furtivo que se recuerda desde el agujero en la media de Ada en “El Piano”.

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El villano enamorado y la doncella que se deja fascinar es un tópico argumental que bebe del folletín romántico. El Romanticismo del siglo XIX presenta todos los ingredientes para esta receta: por un lado la revisión idílica de los mitos medievales (incluido el amor cortés); por otro, la exaltación del sentimiento frente a la razón y de la Naturaleza y la oscuridad frente a la luz fría del racionalismo, la desconfianza ante Dios, lo siniestro como vía para la rebeldía y la superstición como exotismo para escapar del aburguesamiento. En el Romanticismo nacen los monstruos con corazón, Drácula y Frankenstein, criaturas malditas y solitarias que se ven forzadas a hacer el mal para sobrevivir.

Y para confrontar al Mal encarnado en el Hombre qué mejor que el Bien encarnado en la Mujer. La doncella virgen, pura, cuyo amor puede salvar el alma más corrompida del mismo modo que el polvo de hadas hacerte volar.

Antes de que se lancen los talibanes de lo políticamente correcto con que estas historias son apología de las relaciones tóxicas, ya me lanzo yo. Mujeres y niñas que me leéis: la Fantasía es Fantasía. Está para soñar, divertirse y aprender lecciones humanas. Y en el mundo de la Fantasía es donde se debe quedar. Si en la vida real os topáis con un villano seductor, no intentéis curarle su villanía, SALID CORRIENDO. Dicho queda.

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Helen, hija, ¿qué esperabas?

El amor entre el monstruo y la doncella es un tema con decenas de variaciones. Está King Kong, pero King Kong no es un villano, solo un pobre animal secuestrado y explotado. En el mismo caso se situa la criatura de “La Forma del agua” y su amiga-enamorada, la limpiadora del centro de investigación. El pequeño protagonista de “Freaks” se deja llevar por el amor a una villana manipuladora que lo utiliza y humilla constantemente, Fausto enamorado de Margarita, Don Juan y doña Inés… Pero estos no son los casos que me interesan para este artículo.

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Me interesa el villano que no oculta su condición, que confiesa abiertamente a su amada que efectivamente es un monstruo, que busca en el amor una salvación o una compañera para su soledad eterna, que es incapaz de hacer daño a su amada y que para seducirla le promete riquezas, reinos y eternidades. Este amor a veces correspondido será el punto débil que le lleve a la muerte, bien para redención de su alma o como justa sentencia por sus fechorías. Echadle un vistazo a este montaje que me he hecho en un ratico:

Drácula y Candyman son hombres malditos convertidos en sanguinarios asesinos de gente inocente. La fascinación que causan es hipnótica y tanto Mina como Helen no pueden evitar seguir a sus enamorados mientras intentan no tropezarse con los cadáveres que van dejando por el camino. Mina le jura amor eterno a Drácula y no le importa nada, Helen se lo piensa mejor después de verle la colmena a Candyman. Finalmente tanto Mina como Helen logran liberarse (más o menos…) con algo de ayuda.

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Mina on fire

El Fantasma de la Ópera y la Bestia son hombres castigados por su vanidad y su soberbia y están recluidos en un recinto (el teatro, el castillo) del que no pueden salir pero en el que poseen una omnipotencia tiránica. En realidad, el Fantasma es un pobre infeliz, se enamora de la aspirante a soprano Christine, pero ella ya tiene un mozalbete en el punto de mira y al final abandona al Fantasma, que se deja matar más que nada por no pasar más vergüenza. A Bestia en cambio le sale bien la jugada del síndrome de Estocolmo y Bella termina enamorándose de él y sacándole de su hechizo. Recordad, niñas: los secuestros no suelen ser tan bonitos como en la Bella y la Bestia, se parecen más a “La Habitación”, “El coleccionista” o “Blind Beast”.

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Te dijo que no lo hicieras, ya te vale.

Hareth, el rey de los Goblins, quiere seducir a Sarah sobre todo para que se olvide de rescatar a su hermanito Toby. Sin embargo, la voluntad de Sarah es firme y no se deja engatusar ni por el mismísimo David Bowie en mallas. Bien hecho.

Otra chica con recursos es Lily que, para poder liberar al unicornio que van a sacrificar en el inframundo, sigue la corriente al Señor de las Tinieblas, un villano mágnifico e icónico interpretado por el gran Tim Curry, que contaba como hacía su papel casi a ciegas porque no podía ver ni oir bajo las lentillas y todo el maquillaje.

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“Hace calor aquí..”

Y luego están los villanos que te ofrece reinar en toda la Galaxia, nada menos. Anakin Skywalker, tras matar a un montón de niños, traicionar a la hermandad jedi y venderse al Imperio le suelta tal propuesta a la estupefacta Padme, que acaba muriendo de desamor antes que renunciar a la democracia. Lo mismo mismito le ofrece Kylo Ren a Rey (eso sí, sin embarazo ni nada de por medio) mientras le extiende la mano y con su barbilla temblorosa susurra “por favor”. Pero Rey huye y rehuye. En la penultima secuencia de “Los últimos jedi” la puerta del Halcón Milenario se cierra mientras Rey y Kylo se siguen sintiendo mutuamente. Ella, contrariada pero sabiendo que cumple su deber. Él, el hombre más poderoso de la Nueva Orden, de rodillas, con los ojos vidriosos y rodeado de soledad. Drama a tope.

Por qué son tan adorables los Porgs

En la pasada convención D23, los fans de Star Wars pudimos ver, a falta de trailer oficial, un vídeo detrás de las cámaras de la nueva película de la saga “The Last Jedi”.

Tal y como ocurrió con “The Force Awakens” en la que todas las miradas fueron para BB-8 (declarado universalmente como el androide más monino de la Galaxia), en esta ocasión las alarmas de ternura han saltado por los aires con este breve plano:

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Que te como.

Esto es un porg.  ¿Qué es un porg? Los porgs viven en Ahch-To, la isla donde se ha retirado Luke Skywalker y a la que acude Rey para devolverle su espada láser y posteriormente iniciar su entrenamiento blablabla.

El caso es que siguiendo la tradición de la saga de poblar los distintos planetas con fauna y posiblemente para ser el contrapunto simpático del dramatismo de la historia en este lugar, los sabios creadores de Lucasfilm a las órdenes de Rian Johnson idearon estas criaturas.

¿Cómo se diseña una criatura monina que vive en una isla? Los fans no nos contentamos con simple bichos exóticos, cada criatura debe tener su porqué. ¿Cómo vive? ¿De qué se alimenta? ¿Responde su físico y su biología al entorno?

La base de los porgs parece estar en los frailecillos, que son pequeñas aves marinas que viven en las costas del norte de Europa, incluyendo Irlanda que es la localización auténtica de la isla de Luke. La realidad siempre es la mejor base para diseñar.

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Frailecillo atlántico. Foto de Richard Bartz.

Me pongo en la piel del diseñador que tuvo la tarea de diseñar esta nueva criatura de Star Wars. Todo lo que voy a contar son especulaciones mías, a falta de un making of (que ya llegará en el blu-ray).

“Hola, soy un diseñador de personajes. Tengo a este frailecillo que vive en los acantilados de Irlanda. Es pequeño, parece un pingüino, pero puede volar. Necesito que sea más monino, más achuchable. Para empezar, su colorido me distrae, es demasiado fashion. Y su pico es demasiado grande, resulta amenazador”.

En este punto, nuestro diseñador da con otra especie de ave que le da las claves del diseño: el buho de madriguera:

“Oh, sí. Me gustan las proporciones. La cabeza es redonda, los ojos están situados en la parte frontal y eso aumenta la expresividad facial, funcionan muy bien en grupo y son achuchables. Y el color es más discreto, perfecto para camuflarse entre las rocas de Ahch-To. Son perfectos.. Un momento, ya existen. No, no, no. Hay que hacer algo, variar alguna cosa, pero sin que parezca un Furby.”

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Elefanta marina al rescate.

“¡Eso es! Quitamos el pico y lo sustituimos por una boca y un hociquito discreto. Agrandamos un poco los ojos, eliminamos los arcos superciliares y voilá!”

Probablemente, la fase de diseño fue bastante más extensa que este relato. Pero podemos sacar varias conclusiones para aplicar a nuestros diseños de criaturas:

1- Fijarnos siempre en la realidad. La Naturaleza está plagada de especies extrañísimas que desafían la imaginación. Puede darse el caso de que diseñemos algo que ya existe.

2- Que sea creíble y coherente. A estas alturas, ya hemos visto muchos documentales de la BBC para no tragarnos diseños sin base biológica (patas muy finas que no podrían soportar peso, colmillos que hacen imposible la ingesta de alimento, etc.)

3- Si el personaje debe ser monino, cute, nos ceñimos a las proporciones tipo bebé: cabeza grande, ojos grandes, nariz pequeña, miembros cortos, expresión curiosa, formas redondeadas.

Y si encima tenemos la suerte de que unos artesanos y marionetistas nos lo construyan, qué más podemos pedir!

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Quiero acariciarte el resto de mi vida.