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El fan art puede salvarnos a todos

El Fan Art son las obras que crean los admiradores basándose en el objeto de su admiración. Tanto la obra de origen como la de destino puede tener cualquier apariencia: visual, escultórica, literaria, cinematográfica, musical, personal…

El fan art se hace por puro AMOR. Cuando vemos una película, o nuestro cantante favorito saca un disco o leemos un libro que nos cautiva hasta el tuétano y eleva nuestro espíritu, entonces surge una obsesión inefable, un sentimiento stendhaliano que necesitamos domesticar. Y el modo de hacerlo es materializarlo de algún modo.

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Cuando fallece un ídolo, los tributos se multiplican para ayudarnos a sobrellevar la pérdida.

Las personas con mayor decisión artística harán dibujos o compondrán una canción o tejerán un amigurumi. En cambio, las personas que duden de su habilidad artística comprarán una camiseta, cogerán una foto de internet para tenerla de fondo de escritorio, colgarán un póster o comprarán una figura. El merchandising es el sucedáneo que calma las ansias de expresar admiración cuando la propia capacidad parece insuficiente.

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El body-fan-art va mucho más allá del cosplay. Valeria Lukyanova, la Barbie humana.

El fan art es propio e intransferible, o al menos así nace. Un fan que borda el retrato de su artista favorito en su cazadora no la venderá jamás. Aunque también hay artistas que venden fan art, sobre todo láminas impresas de dibujos o pequeñas figuras o complementos que pueden manufacturarse fácilmente. ¿Es eso legal? Bueno, hasta cierto punto. Normalmente no pasará nada a no ser que se generen grandes beneficios o notoriedad, entonces es probable que algún abogado llame a la puerta.

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Las aldabas de “Dentro del Laberinto”. Amor instantáneo.

¿Por qué el fan art es tan maravilloso?

Porque es una interpretación, porque nadie percibe una historia de la misma manera. Porque en una película de aventuras, muchos se identifican con el héroe, pero otros con el villano, otros admiran la nobleza del personaje y otros se fijan en el momento romántico, unos contemplan la epopeya en su conjunto como metáfora vital y otros se aferran al momento del clímax por la catarsis que significa. Y cuando todas esas interpretaciones se comparten, la obra multiplica su riqueza.

Voy a poner dos ejemplos:

“El Despertar de la Fuerza”. Pensad en esta megaproducción que encima viene con toneladas (literalmente) de merchandising made in China.

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Si estos son los muñecos de Rey que existen, prefiero hacerme el mío propio. Por mal que salga, será menos feo :-S

¿A los fans les basta con esos muñecos de plástico seriados, los álbumes de cromos, las camisetas, los juguetes, para calmar su obsesión? No, en absoluto. Hay gente que se ha fabricado su propio BB-8, hay cosplayers, hay cómics, hay versiones de la banda sonora, hay miles y miles de ilustraciones.

Y aun más allá, está el fenómeno “Reylo” que sugiere, en una vuelta de tuerca neo-romántica, que entre Rey y Kylo Ren debería existir una relación marcada por la tragedia, al estilo de Drácula o El Fantasma de la Ópera, y esta idea se plasma en relatos, dibujos o montajes fotográficos por todo internet.

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Esto es fabuloso, lo mires por donde lo mires. Arte de Verauko.

Otro ejemplo por lo inesperado y gratificante es el de El Ministerio del Tiempo.

Esta serie ha llenado un hueco que existía en la ficción televisiva española: aventura y ciencia ficción de buena factura y con un contexto histórico de gran valor didáctico. Esto ha entusiasmado tanto a la gente interesada en la historia como a los fans de las series de ficción.

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Arte de JaeTanaka

Aquí no hay presupuesto para merchandising, así que no hay otra manera. Se han hecho dibujos, montajes y sobre todo, relatos literarios que se pueden ver en numerosos blogs.

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Arte de Jonroru

¿A que parece increíble? Cientos, miles de personas que dedican su tiempo a paladear los mitos y rendirles tributo de modo artístico. Personas que se expresan con sensibilidad e inteligencia y que enarbolan la fantasía como algo importante en la vida, como una de las cosas que nos hace humanos.

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Imitadores de Elvis. Hay que amarlos.

Qué fabuloso sería si más gente perdiera el miedo a expresarse así, y todos colaboráramos en una red de interpretaciones de nuestros mitos favoritos, como si cosiéramos una gigantesca colcha de patchwork para arropar nuestra imaginación.

Y qué bueno sería que por lo mismo, se dejara de fabricar tanto chisme de plástico que se amontona en almacenes y tiendas esperando ser basura.

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“The real Toy Story” © Michael Wolf.

 

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Disney Animated, la app imprescindible

Si tienes un iPad y te gusta la animación, tienes la obligación moral de comprar la aplicación Disney Animated. Es lo más parecido a hacer un máster sobre todo el proceso de la animación en la palma de tu mano. No en balde la propia Apple la nombró “App del año” en 2013. Solo tiene una pega: está en inglés.

Con un diseño interactivo impecable y casi dos gigas de información, tienes absolutamente TODO lo que hay que saber sobre técnica, procesos e historia de la animación. Por supuesto aquí todo gira en torno a Disney, pero la parte teórica es la misma para cualquier proyecto animado, así que no es únicamente una app para fans de la productora.

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Diagrama del proceso clásico de producción de una película en Disney.

El contenido de la app se divide en dos grandes partes: una didáctica y otra más lúdica.

En la parte didáctica tenemos 9 capítulos principales:

  • Art in Motion: breve historia de la productora de Walt Disney y de su evolución a lo largo de las décadas.
  • Story: acerca de los argumentos, de cómo contar una historia y cómo organizarla mediante procesos como el storyboard.
  • Visual development: el desarrollo visual global, la búsqueda del look de la película, tanto en estilo como en colores.
  • Character: el diseño de personajes, tanto en su apariencia como en su personalidad.
  • Layout & Background: los fondos, las arquitecturas.
  • Animation: el proceso de animación en sí, las referencias, las técnicas y los 12 principios tal y como vienen en “The Illusion of Life”
  • Visual Effects: fuego, agua, humo, todo hay que dibujarlo. El origen de los efectos especiales modernos.
  • Sound Design & Music: efectos de sonido y bandas sonoras, cómo todo se cuida al detalle.
  • Putting it all together: del coloreado clásico en acetato y captura en película a la edición digital de hoy.

Todos ellos ampliamente ilustrados con fotografías, dibujos preliminares, diseños conceptuales y clips de video, tanto de escenas finales como de pruebas a lápiz y escenas eliminadas.

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Una página entera dedicada a Mary Blair, artista conceptual de la época dorada de Disney.

Y, por supuesto, todos los clips animados se muestran con una barra de tiempo para pasarlos, si se desea, fotograma a fotograma.

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Una escena completa a lápiz de Blancanieves pero eliminada en el montaje final.

La parte lúdica está igualmente llena de información. Tenemos una cronología interactiva con todos los avances técnicos y todos los títulos de Disney; un es-pec-ta-cu-lar mapa de color de todas las películas para entender el concepto de color script o simplemente deslizar el dedo por los fotogramas clave de cada producción; una bouncing ball interactiva para practicar el timing, el caballo Maximus para recorrer su gestualidad facial; un rig de la pequeña Vanellope por si nos atrevemos a animar en 3D y un generador de cristales de hielo para que nos sintamos como Elsa de Frozen.

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Cada plano de cada película desde 1937 en un apabullante mapa de color.
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Hay que desplazar la bola en cada frame para que el rebote sea creíble.

Y creo que no me dejo nada. O sí: también hay un epílogo especial sobre Frozen (la última película de Disney por entonces) con fondos, bocetos, diseños y escenas.

Insisto, una aplicación impecable, completísima e imprescindible, que por mucho que la consultes nunca te cansará.

El valle inquietante y sus bebés

El “valle inquietante”, el uncanny valley, es ese momento de la percepción cuando reconocemos que alguien parece real, que podría pasar por real, y sin embargo tiene “algo” que nos da grimilla y causa rechazo.

Un término creado originariamente por Masahiro Mori para la robótica, pero que ha encontrado un lugar muy cómodo en los personajes CGI de apariencia humana.

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Este gráfico también ilustra también el problema con los replicantes. Atento, Deckard.

El uncanny valley es el responsable, por ejemplo, del fracaso en taquilla de películas como “Final Fantasy” en 2001 o “Polar Express” en 2004, especialmente esta última, que supuso un enorme avance tecnológico en captura de movimiento, y que sin embargo era incapaz de conseguir la gestualidad de Tom Hanks:

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© 2004 by Warner Bros.

Así se demostró que la captura de movimiento no suple a la animación y que el render realista no implica credibilidad. Esto se ha ido corrigiendo de varias maneras:

  • Descartando el uso de personajes humanos realistas en las películas de CGI. Los creadores de Shrek tomaron nota y bajaron el “realismo” de la princesa Fiona en la segunda parte al comprobar que los niños se echaban a llorar al verla en los pases de prueba de la película.
  • Aplicando CGI solo donde es necesario, naciendo así el maquillaje digital para películas de imagen real. De hecho la técnica de captura y reconstrucción facial ha avanzado espectacularmente, puesto que no solo se usa para el entretenimiento, sino sobre todo para sistemas de reconocimiento en seguridad e industria militar.
  • Volviendo a un tono más cartoon en las películas de animación para público infantil, tanto en el diseño de personajes como en su animación.

Y, por supuesto, el uncanny valley es siempre involuntario. El gran bebé de “Tin Toy” no quería asustar a nadie, ésta era su forma de sonreir:

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© Disney/Pixar

Los que sí quieren asustar son las máscaras bebé de Hyperflesh. El concepto no puede ser más sencillo y el resultado no puede ser más bizarro:

Aunque esto ya lo sabía Terry Gilliam:

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Caso “Renesmee Carlie Cullen”, o sea, el bebé de “Amanecer 2”. Problema: los bebés semi-vampiros se desarrollan muy rápidamente y tienen mucha inteligencia y tal, y ningún bebé actor puede hacer lo que necesitamos. Así que vamos a hacer un animatrónico porque los bebés en CGI quedan fatal.

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Que levante la mano quien hubiera querido ver a esta monada en la pantalla.

Vale. Pasamos del animatrónico. Pongamos el bebé CGI.

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Peor el remedio que la enfermedad.

Las representaciones faciales realistas también se aplican en medicina e investigación. Al parecer, el uso de robots ayuda a niños autistas a expresar mejor las emociones, o eso dice la gente de Robokind. No sé yo…

Y en el campo de la inteligencia artificial, está Baby X, un programa que simula el proceso de aprendizaje al nivel de un niño pequeño, y al que han dotado de una interfaz capaz de gesticular. El resultado da la impresión de ser un poltergeist que ha atrapado a un bebé dentro de una pantalla. Da un poco de penita, la verdad:

Bebé extra: ¿quién se acuerda de este pequeñín que data de los orígenes del internet y que se aparecía en las alucinaciones de Ally Mcbeal?