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Meet Mr. Product: Las mascotas publicitarias

Comienzo una nueva serie de artículos en los que voy a reseñar los libros que caen por mis manos. (Ni que decir tiene que si alguna editorial incauta se atreve a mandarme un ejemplar de algo que tenga que ver con el contenido de este blog, yo lo reseñaré con mucho gusto…) 😛

Esta parejita absolutamente encantadora son los dos volúmenes de Mr. Product, editados por Insight Editions y que, de momento, sólo se pueden conseguir en inglés y a través de internet, o en librerías especializadas.

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Los libros, de tapa dura y con un tamaño que invita a llevarlos encima a todas partes, son una fabulosa recopilación de diseños de mascotas corporativas y personajes publicitarios norteamericanos del siglo XX.  La mayoría nos resultarán desconocidos, salvo los que se asocian a grandes marcas multinacionales, como el Bibendum de Michelin, Ronald McDonald o el Tigre Tony de Kellogg’s.

Sin embargo, no hace falta reconocer a los personajes para disfrutar de un estupendo viaje visual por la cultura pop publicitaria y comprender el porqué del uso de estas mascotas y su fascinante evolución gráfica en lo que resulta ser una completa cronología de estilos y aplicaciones del Character Design.

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Ambos libros cuentan con una amena introducción escrita que nos aporta datos curiosos e históricos, como por ejemplo la costumbre de vestir a personajes con chistera y monóculo (símbolo de status y aristocracia a principios de siglo XX), la estrambótica costumbre de humanizar objetos (latas, frutas, válvulas), cómo influyeron los avances tecnológicos y sociales (la carrera espacial, la televisión, la cultura hippie) y cómo el uso de mascotas fue cayendo en desuso a medida que el cartoon se iba relegando al público infantil.

Un total de más de 500 páginas a todo color que harán la delicia de cualquier diseñador, publicista, ilustrador o fan de la cultura pop, y donde fácilmente encontraremos analogías entre la evolución de los diseños norteamericanos y los de nuestra propia cultura, como el mono del Anís del Mono, el abrigo de Polil, la Vaca que ríe, el Osito de Bimbo, o incluso la propia familia Telerín.

Creo que en España no hay ningún libro que cuente la historia de las mascotas publicitarias como tales. Encontramos, eso sí, referencias en libros de diseño o monografías de diseñadores, como el magistral Pioneros, de Emilio Gil. Si alguien conoce algún otro, por favor, comentadlo en esta entrada 🙂

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El fabuloso trabajo gráfico de Josep Artigas. Diseño, ilustración y concepto fusionados.

 

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“Tan blanco como la harina y tan tierno como el pan”. Evolución del osito Bimbo.

La maravillosa historia de la botella de Anís del Mono, y el mono:

Adenda: Por cierto, que la palabra “mascota” proviene del francés mascotte, “talismán”, y esta a su vez del provenzal mascoto, “sortilegio” y del probable y ancestral masca, “bruja”. O sea, que una mascota es algo que trae buena suerte a través de algún tipo de magia.
¿Por qué una empresa o una marca querría tener una mascota? ¿Solo por marketing o quizá se trata de atar mágicamente a los clientes y consumidores? Hum…
Pensad en ello.

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Disney Animated, la app imprescindible

Si tienes un iPad y te gusta la animación, tienes la obligación moral de comprar la aplicación Disney Animated. Es lo más parecido a hacer un máster sobre todo el proceso de la animación en la palma de tu mano. No en balde la propia Apple la nombró “App del año” en 2013. Solo tiene una pega: está en inglés.

Con un diseño interactivo impecable y casi dos gigas de información, tienes absolutamente TODO lo que hay que saber sobre técnica, procesos e historia de la animación. Por supuesto aquí todo gira en torno a Disney, pero la parte teórica es la misma para cualquier proyecto animado, así que no es únicamente una app para fans de la productora.

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Diagrama del proceso clásico de producción de una película en Disney.

El contenido de la app se divide en dos grandes partes: una didáctica y otra más lúdica.

En la parte didáctica tenemos 9 capítulos principales:

  • Art in Motion: breve historia de la productora de Walt Disney y de su evolución a lo largo de las décadas.
  • Story: acerca de los argumentos, de cómo contar una historia y cómo organizarla mediante procesos como el storyboard.
  • Visual development: el desarrollo visual global, la búsqueda del look de la película, tanto en estilo como en colores.
  • Character: el diseño de personajes, tanto en su apariencia como en su personalidad.
  • Layout & Background: los fondos, las arquitecturas.
  • Animation: el proceso de animación en sí, las referencias, las técnicas y los 12 principios tal y como vienen en “The Illusion of Life”
  • Visual Effects: fuego, agua, humo, todo hay que dibujarlo. El origen de los efectos especiales modernos.
  • Sound Design & Music: efectos de sonido y bandas sonoras, cómo todo se cuida al detalle.
  • Putting it all together: del coloreado clásico en acetato y captura en película a la edición digital de hoy.

Todos ellos ampliamente ilustrados con fotografías, dibujos preliminares, diseños conceptuales y clips de video, tanto de escenas finales como de pruebas a lápiz y escenas eliminadas.

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Una página entera dedicada a Mary Blair, artista conceptual de la época dorada de Disney.

Y, por supuesto, todos los clips animados se muestran con una barra de tiempo para pasarlos, si se desea, fotograma a fotograma.

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Una escena completa a lápiz de Blancanieves pero eliminada en el montaje final.

La parte lúdica está igualmente llena de información. Tenemos una cronología interactiva con todos los avances técnicos y todos los títulos de Disney; un es-pec-ta-cu-lar mapa de color de todas las películas para entender el concepto de color script o simplemente deslizar el dedo por los fotogramas clave de cada producción; una bouncing ball interactiva para practicar el timing, el caballo Maximus para recorrer su gestualidad facial; un rig de la pequeña Vanellope por si nos atrevemos a animar en 3D y un generador de cristales de hielo para que nos sintamos como Elsa de Frozen.

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Cada plano de cada película desde 1937 en un apabullante mapa de color.
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Hay que desplazar la bola en cada frame para que el rebote sea creíble.

Y creo que no me dejo nada. O sí: también hay un epílogo especial sobre Frozen (la última película de Disney por entonces) con fondos, bocetos, diseños y escenas.

Insisto, una aplicación impecable, completísima e imprescindible, que por mucho que la consultes nunca te cansará.

Los ninots

Los ninots son figuras satíricas y alegóricas, protagonistas de las Fallas de Valencia.

Esta falla se la llevó el fuego en 2007

En su origen se mezclan costumbres artesanas y ritos paganos de bienvenida a la Primavera. El hecho es que centenares de artistas (entre dibujantes, carpinteros, escultores y pintores) trabajan durante meses para crear estas figuras que irremediablemente serán destruidas por el fuego la noche del 19 de marzo.

Actualmente, el modo de trabajar los ninots es el siguiente: tras aprobar el boceto se realiza una maqueta a escala, las figuras complejas se dividen en partes que luego serán ensambladas, se construyen los armazones de madera y se esculpen las figuras en poliestireno (corcho blanco). Este material permite, por su ligereza y facilidad de talla, posturas complejas y composiciones elevadas con espectaculares juegos de equilibrio. Luego se aplica una imprimación y finalmente la pintura. Aquí podéis ver el trabajo en un taller fallero:

El problema de la utilización de poliestireno es que al quemarse produce un humo muy contaminante. Además, el fuego lo consume tan rápidamente que la propia cremá sabe a poco. Por eso, algunos talleres alternativos están recuperando la fabricación de ninots con materiales naturales y reciclados (cartón, tela), además de apostar por nuevos estilos de diseño:

Y para saber más de los ninots y las Fallas, aquí.

Actualización: Hace poco conocí el trabajo de Squid & Pig, una agencia multimedia valenciana que también diseña monumentos falleros superbonitos que dan mucha pena que se quemen: